À la fin du septième album de cette liste (pas de spoilers), la voix du poète et philosophe Thomas Stanley s’élève sur un cliquetis de batterie et de saxophone, offrant une vision sombre et optimiste de l’état du jazz. « Au final, c’est peut-être bien que le peuple ait abandonné le jazz, l’ait remplacé par des produits musicaux mieux adaptés aux desseins du capitalisme », songe-t-il. “Maintenant, le jazz bondit comme Lazare, si nous le permettons, pour se redécouvrir comme une musique vivante.”

Le jazz bondit, c’est sûr – mais pas toujours là où vous l’attendez, et certainement pas sous une forme prévisible. Certains des artistes ci-dessous n’appelleraient pas du tout la musique qu’ils font jazz. Peut-être que nous n’en avons pas besoin non plus. Appelons simplement ces albums ce qu’ils étaient, chacun à leur manière : des percées, des expérimentations audacieuses et malgré tout ce qui nous entoure, des raisons d’espérer.

Connue surtout comme une brillante interprète de chansons du 20e siècle, Cécile McLorin Salvant n’a jamais réalisé un album aussi riche en airs originaux, ni aussi aventureux stylistiquement, que celui-ci. Sa voix plane sur l’orgue à tuyaux de niveau Andrew Lloyd Webber en un instant, et s’installe chaleureusement dans un combo avec banjo, flûte et percussions dans le suivant.

Avec son quatuor, Wilkins montre que les rythmes inclinés, l’harmonie étendue et les instruments acoustiques – le “mélange d’idée, de ton et d’imagination” qui, pour Ralph Ellison, jazz défini il y a plus de 50 ans – peut encore parler aux auditeurs au présent.

C’est dommage qu’entendre la voix du poète et théoricien Fred Moten sur disque soit un frisson si rare. Sur “Moten/López/Cleaver”, son premier LP accompagné de la batterie silencieuse et roulante de Gerald Cleaver et de la basse noire comme de l’encre de Brandon López, Moten est après rien de moins qu’une interrogation complète sur la façon dont les systèmes de connaissance noirs ont été dépouillés. minés et rejetés, et pourtant ont repoussé.

Le monde de la musique créative se remet encore de la perte de Jaimie Branch, le trompettiste révolutionnaire décédé en août à 39 ans. “Pink Dolphins” est le deuxième album d’Anteloper, son duo électroacoustique avec le batteur Jason Nazary, et cela montre ce qu’était Branch : un son non purifié, le sel de la terre, empli d’un esprit généreux.

Qu’il s’agisse de fourrager dans des recoins sombres de dissonance sur l’extrémité inférieure du clavier ou de lacer un rythme de danse courtoise dans une improvisation par ailleurs dispersée, le pianiste David Virelles accorde une attention aux détails à tous les niveaux. Il écoute clairement ses pairs : Matt Mitchell, Jason Moran, Kris Davis. Il puise dans le modernisme et ses mécontents : Morton Feldman, Olivier Messaien, Thelonious Monk. Il s’inspire fortement des traditions folkloriques cubaines : Changüi, Abakuá, danzón. Et sur “Nuna”, ‌son premier disque de piano solo, il le répartit sur les 88 touches.

“Linger Awhile” est un rite de passage: un premier album dans les règles de l’art, voici ce que je peux faire. Heureusement, les idées harmoniques de Samara Joy sont suffisamment captivantes et sa voix si contagieuse qu’elle ne ressemble pas à un exercice. Sur “Nostalgia”, essayez simplement de ne pas sourire aux paroles qu’elle a écrites sur la mélodie du solo de trompette de Fats Navarro en 1947 pendant que vous secouez simplement la tête à son ordre.

Avec « Jazz Codes », la poétesse et artiste électronique Camae Ayewa déclare son amour pour la lignée jazz, et ‌enregistre quelques inquiétudes. Sur «Woody Shaw», sur la voix hypnotisante de Melanie Charles, Ayewa déplore le piège de cette musique dans les institutions blanches; sur “Barely Woke”, elle tourne son attention vers la culture au sens large : “Si seulement nous pouvions nous réveiller avec un peu plus d’urgence/État d’urgence/Mais je me sens à peine réveillé.”

La pianiste avant-gardiste Angelica Sanchez dirige ici un nouveau trio all-star, avec le bassiste Michael Formanek et le batteur Billy Hart, laissant les mélodies exploser dans sa main et se bloquant – étroitement mais pas trop étroitement – ​​avec la batterie de Hart.

Makaya McCraven, le batteur et producteur basé à Chicago, a passé des années à enregistrer, assembler et repulper les morceaux qui apparaissent sur “In These Times”. Mélangeant harpe parfaitement pincée, guitare élastique, lignes de basse sinueuses, cors, batterie et plus encore, il a dessiné une image sonore enveloppante qui n’est souvent pas loin d’une production classique de David Axelrod, ou d’un album de Curtis Mayfield des années 1970 sans la piste vocale.

Une pièce d’une œuvre multimédia plus large, les chansons originales de “Grief” sont nées de plus de 100 interviews que la pianiste, chanteuse et militante Samora Pinderhughes a menées avec des personnes dont la vie avait été touchée par le système de justice pénale. Mêlant harmonies gospel, instrumentaux post-hip-hop mijotés et ballades blessées, la musique frémit d’indignation et de vision.



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